martes, 30 de septiembre de 2014

Dyango - Si Yo Fuera El... [LP EMI] (1976)

http://i.imgur.com/noW1neh.jpg
Clic en la imagen para agrandar

http://i.imgur.com/sTRe5cn.jpg
Clic en la imagen para agrandar

Dyango [Clic]

Dyango obtiene, en 1976, el premio (Sirenita de Oro) al mejor intérprete y a la mejor canción del Festival de Benidorm con el tema "Si yo fuera él", tras triunfar en ese festival su carrera crecería tanto a nivel nacional como internacional.

Desde la grabación del tango "Nostalgia", en 1976, Dyango consolidó su conquista del mercado español de la balada romántica. En 1980, Dyango representó a España en el Festival OTI 1980 con la canción "Querer y perder" escrita por Ray Girado, ocupando el segundo lugar.

Desde entonces, el repertorio de Dyango ha incluido los mejores boleros, tangos y rancheras, las viejas canciones de los guateques de los sesenta, decenas de éxitos propios y hasta piezas líricas.

Dyango ha obtenido a lo largo de su carrera 55 discos de oro y 40 de platino, que le han sido concedidos tanto en España como en diversos países latinoamericanos e incluso en Estados Unidos. De entre todos ellos, cabe citar el doble disco de platino conseguido por el álbum "A corazón abierto".



Image Hosted by ImageShack.us

lunes, 29 de septiembre de 2014

Baccara - Baccara [LP RCA] (1977)




Baccara

El grupo femenino Baccara estaba formado por las voces de las españolas Mayte Mateos y María Mendiola, ambas se conocieron trabajando en el ballet de TVE y en 1976 formaron el grupo Venus. Gracias a los contactos de María viajaron a las Canarias y allí conocieron Leon Deane, gerente de la RCA alemana que las invitó a grabar a Hamburgo. Fue allí donde se creo el éxito "Yes Sir, I Can Boogie".

En 1977 Baccara, vendió más de 16 millones de ejemplares del sencillo "Yes Sir, I Can Boogie", quedando registrado en las páginas del Libro Guinness de los Récords como el grupo musical femenino que más discos había vendido hasta esa fecha. "Yes Sir, I Can Boogie" fue el primer sencillo, interpretado por un dúo femenino, que llegó a ser número uno en el Reino Unido.

Más tarde con "Sorry, I'm A Lady", su segundo sencillo, también consiguieron éxito internacional, llegando al primer lugar de las listas de popularidad en Alemania, Bélgica y los Países Bajos, y estando entre los diez primeros lugares en Reino Unido, Suecia y Suiza.

Pero a pesar del gran número de seguidores en Alemania, España y Japón, en 1981 su mezcla de disco, pop y música folclórica española comenzaba a estar pasada de moda y, en 1983 Mayte Mateos y María Mendiola ya estaban trabajando en proyectos en solitario que no tendrían buena acogida. Más tarde ambas formarían nuevos dúos llamado cada uno, Baccara.

Baccara es el nombre de una variedad de rosa roja de tallo largo, cuya representación simboliza el amor.

En la canción "Yes Sir, I Can Boogie" una mujer se dirige a un hombre que está indeciso, la melodía es sensual y su letra dice que ella no puede hablar ni caminar pero sí bailar toda la noche "boogie" con una buena canción. El ritmo pegadizo, convinando música disco, baile y folclore español, dió como resultado la venta de muchos millones de discos.




Image Hosted by ImageShack.us

domingo, 28 de septiembre de 2014

VA Aquellos Años...Maravillosos - Operación Nostalgia, Vol. 1 CD (2002)




INFO:

Un recopilatorio doble, en forma de grandes éxitos musicales de los años 60 y 70, titulado "Aquellos Años...Maravillosos - Operación Nostalgia, Vol. 1", interpretado por los artistas españoles y extranjeros más consagrados de la época.




viernes, 26 de septiembre de 2014

Ana Belén - Con Las Manos Llenas [LP CBS] (1980)


http://i.imgur.com/ncqaGJw.jpg
Clic en la imagen para agrandar


Ana Belén [Clic]

En 1980 la cantante española Ana Belén lanza el disco en solitario “Con las manos llenas", el que se incluía temas como "Oh qué será"o "Banana republic", también se incluyó una versión de “El hombre del piano,” es una adaptación de Víctor Manuel. Esta pieza se convierte en una de las más importantes de la carrera musical de Ana Belén en España, el cual se convirtió el álbum en un verdadero éxito.

La biografía musical de Ana Belén, es una trayectoria larga y fértil que comenzó en 1965 con las canciones de la película “Zampo y yo” y continuó con discos fundamentales como La paloma de vuelo popular (1976), De paso (1977), Con las manos llenas (1980), Ana en Río (1982), Géminis (1984), Para la ternura siempre hay tiempo (1986), A la sombra de un león (1988), Rosa de amor y fuego (1989), Veneno en el corazón (1993), Mírame (1997), Peces de ciudad (con el que estuvo nominada a los Grammy Latinos 2002 como Mejor Solista Femenina), Viva l’Italia (2003), Una canción me trajo aquí (2005) o Anatomía (2007), entre muchos otros.




Image Hosted by ImageShack.us

jueves, 25 de septiembre de 2014

Tony Vilaplana - Grandes Éxitos (1962-1965)

Clic en la imagen para agrandar

Clic en la imagen para agrandar


Tony Vilaplana

Como casi todas las de la época, la historia se inicia con un adolescente que escucha la radio -los tocadiscos eran un lujo inalcanzable para las familias obreras- y sigue con atención las canciones de Elvis Presley y de Paul Anka. El muchacho de la radio es Antonio Vilaplana, vive en Sabadell y desde los 14 años trabaja en una fábrica textil. Sus compañeros de trabajo le animan a presentarse a un concurso de Radio Sabadell, donde llega a finalista, clasificándose para cantar en Radio Barcelona. Allí el locutor Joaquín Soler Serrano le descubre e intercede por él, logrando que la recién creada Vergara, que anda a la busca de nuevos artistas catalanes, le proponga grabar un disco.

Con solo diecisiete años Tony Vilaplana graba en noviembre de 1962 cuatro canciones con un equipo portátil que se instala en el local de ensayos del orfeón del barrio de Gracia, en Barcelona.

Una idea de cómo se trabajaba entonces nos la da el dato de que se instaló un micrófono en la habitación de al lado para recoger el sonido del propio local y así conseguir un cierto efecto de eco.

La canción principal del EP es una versión cantada del “Sueño de amor”, de Liszt, a ritmo de twist.

Del resto del disco, lo único conocido es el cover español Detén la noche “Retiens la nuit”, uno de los primeros hits del ídolo francés Johnny Hollyday.

El disco se distribuye solo en Cataluña y pasa desapercibido.

A Madrid llegan unos ejemplares por correo a las emisoras y en el resto de España, nada de nada.

Ya en 1963, graba su segundo EP, que contiene como tema principal una buena versión de la bossa nova “Eso beso”, compuesta por Paul Anka.
Este disco ya es mejor distribuido y da a conocer a Tony Vilaplana por todo el país.

El joven cantante es reclamado para actuar, pero carece de grupo de acompañamiento, pues los discos han sido grabado por músicos de conservatorio bastante alejados de los gustos del bullanguero público adolescente.

Busca por Sabadell y forma un grupo con músicos locales de su edad. Claude (guitarra), Santi (bajo), Jacky (batería) y Claudio (piano) que pronto serán bautizados como Los Teen Stars.

Con ellos se lanza a numerosas actuaciones en fiestas patronales y universitarias.

El equipo era otro problema, sobre todo cuando había que hacer dos actuaciones en un mismo día, ya que el amplificador de bajo consistía en un altavoz de 25 pulgadas dentro de un deposito cilíndrico de uralita, que era preciso trasladar de un local a otro.

Estos apaños caseros eran habituales en los conjuntos principiantes de los primeros 60.

A pesar de todas las dificultades, 1963 es un año trepidante en el que Tony y su gente van a grabar cuatro discos y va a presentarse en el Festival de Benidorm, en el que llegara a la final con “Chavala twist”. Entre tanto, va a marcarse pequeños éxitos locales con canciones como “A mi edad” o “Il tangaccio”. Tony incluye en sus actuaciones numerosas versiones en catalán de canciones americanas e italianas, pero graba en castellano.

En septiembre de 1963 va a registrar uno de los primeros discos -tal vez el primero de todos- de rock y twist en catalán con cuatro temas que ya antes había grabado en castellano. Algo que hoy parece inocuo, pero que en aquel momento era comercial y políticamente absolutamente incorrecto, sobre todo porque no se trataba de un airado universitario o de un grupo folclórico los que lo hacían, sino que semejante atrevimiento procedía de un muchacho de dieciocho años que se dedicaba a la canción ligera.

En 1964 va a sacar sus últimos discos con la casa Vergara con el superversionado “Chariot”, canción procedente, vía Francia, del éxito de Petula Clark "I will follow him" y “Largas noches” como pistas principales.

Ya en 1965 va a pasar a otro sello catalán, Concentric, con el que grabará varios microsurcos bajo el apelativo de Tony, pasando al catalán los éxitos foráneos. Estos postreros discos se distribuyen solo en Cataluña y constituyen hoy rarezas discográficas inencontrables, incluso para los sabuesos de lafonoteca.

En 1966 a Antoni le toca hacer la mili y esto, unido a su falta de proyección nacional, va a contribuir a poner el punto final a su carrera musical. Tony Vilaplana fue uno de los pocos cantantes solistas en un momento y un estilo que parecían patrimonio exclusivo de los conjuntos. Su voz juvenil y fresca, su desenfado y su guapeza pudieron hacer de este humilde sabadellense una de las figuras de la canción española si hubiese tenido detrás una discográfica que lo hubiera cuidado mejor, espaciando y promocionando sus discos a nivel nacional y eligiendo con criterio el repertorio.

Fuente: Julián Molero - lafonoteca.net




Image Hosted by ImageShack.us

martes, 23 de septiembre de 2014

Leandro - Silvia / Lo Que Antes Fui -Single EMI (1972)

Clic en la imagen para agrandar

Clic en la imagen para agrandar

Leandro

Pudo ser uno de los grandes de la música española. En solo dos años de actividad planteó como nadie la unión entre la música de cantautor y la canción melódica. La carretera y su trágica muerte lo hermanó con otros grandes: Nino Bravo, Juan Camacho, Cecilia, Los Ángeles, Bruno Lomas, Eduardo Benavente…

Leandro Sánchez Ruiz nació en 1946 en el barrio almeriense de La Almedina, en pleno casco histórico de la ciudad. Estudia Bachillerato en su ciudad natal, pero no finalizará sus estudios. Desde niño destacó por sus dotes para cantar, ingresando en el coro de la catedral de su ciudad, donde recibirá clases de música. Hacia 1963 doblará el mapa de España en diagonal e irá a vivir con unos familiares a Ferrol. Allí seguirá estudiando y pronto se enrolará en un barco pesquero. Esa va a ser su particular universidad artística y vital. Comenzará a componer sus primeras canciones y a soñar con una vida dedicada profesionalmente a la música. Cuando repasamos sus canciones, nos damos cuenta de la vinculación del cantante con el mar, presente en la letra de sus canciones y, de alguna manera, también en la música, de fuerte componente mediterráneo.

En 1967 se traslada a Madrid con la única pretensión de iniciar una carrera musical. Pronto entrará como cantante en un grupo llamado IV Revolución, que aunque no tiene discos en el mercado, gozaba de un cierto renombre entre los conjuntos capitalinos.

El nuevo cantante eclipsará a sus compañeros madrileños y empezará a moverse por distintos sellos discográficos. Finalmente, encontrará acomodo en EMI, que en principio lo ubicará en su división Regal. Al tratarse de un sello catalán, Leandro y su IV Revolución, convertida en su banda de acompañamiento, se trasladan a Barcelona para hacer sus primeras grabaciones. Así nace: “La Mar / Rosas Rojas” (Regal, 1969), ambas compuestas por él mismo. Al siguiente año se presenta en su tierra, en el “Festival de Almería”, logrando plaza de finalista con una canción dedicada a su gente: “Donde me críe”, que nunca sería editado oficialmente en disco.

Su primer single se escuchó poco, pero a la segunda iría la vencida. “Mi Barca Construiré / La Pobre Mía” (Regal, 1970). El disco entra en el top 10 y se escucha por doquier. Si esto fuera poco, la canción de la cara B es versioneada por el grupo chileno Los Golpes, consiguiendo un importante impacto en su país.

Leandro era ante todo un cantautor moderno, al estilo de Manolo Díaz, pero también era un cantante melódico, al estilo de Lorenzo Santamaría, por poner un ejemplo. Aunque él siempre renegó de sus temas más comerciales. Su estilo compositivo supuso un viraje hacia el pop y la música melódica, lo que suponía una clara evolución respecto a los adustos cantautores de la canción protesta, sin perder por ello algunos matices sociales en su letra.

El buen comportamiento (léase negocio) de su segundo sencillo le hace ascender a Odeón, la primera división de EMI. Allí va a registrar nuevos singles que definen la obra de este autor. “El Hombre del Tanque Rosa” (EMI Odeón, 1971) supone una zambullida en las aguas del pop con una letra de lo más interesante. También volverá a visitar el top 10 de sencillos. Continuará su trayectoria con “Super-Jet / Mujer” (EMI Odeón, 1971), que seguirá cimentando una carrera de lo más prometedora.

En 1972 vuelve a regañadientes a los festivales, concretamente al de Almería, con la canción “Silvia” (EMI Odeón, 1972). Una pieza que no está entre lo mejor de su obra y que será eliminada en primera ronda. Eso ocurría el 28 de julio en pleno jaleo de galas veraniegas. Apenas dos semanas después, el 14 de agosto, la fecha con más trabajo para los músicos de toda España, Leandro viaja hacia Madrid donde está contratado aquella noche. No llegará. En la provincia de Albacete acabará para siempre su carrera. La carretera le cobra al pop español uno de sus primeros peajes; después vendrán muchos otros.

Se publicara su único LP: “Su Obra” (EMI Odeón, 1972), que no es otra cosa que un recopilatorio de los dos años anteriores. En algo coinciden todas las fuentes consultadas y a ellas me sumo tras escuchar detenidamente sus singles. Leandro no dio de sí ni la décima parte de lo que podía haber desarrollado y estaba llamado a ser uno de los más grandes compositores de nuestra música. ¡Maldita carretera!

EL DISCO

Dos semanas antes de su fallecimiento, Leandro estrenaba en los Jardines La Salle, en el marco del Festival de la Canción de Almeria, su canción “Silvia”. Una balada edulcorada y con poco fuste que no logró el paso a la final. Recursos manidos como el recitado intermedio terminado en un grito, bajo la voz del propio cantante y un coro femenino que entonan la canción, intentan dar un cierto empaque a una pieza pesada y poco inspirada en lo melódico.

Un tema lento con aire de cuento infantil, violines y mucho despliegue instrumental conforman “Lo que antes fui”, otra de esas canciones con las que Leandro se confiesa. De todos modos, tanto en ésta como en “Silvia”, Leandro hace excesivas concesiones a la canción melódica, tal como se entendía en la España de los primeros 70 y en la que primaban las dotes vocales sobre la originalidad. Un paso atrás en la carrera de este cantante que se llevó la carretera. Y es que los músicos, desgraciadamente, son carne de rueda. Con la muerte de Leandro se abriría una década trágica para la música española.

Fuente: Julián Molero - laFonoteca.net




Image Hosted by ImageShack.us

Juan Pardo - My Guitar [LP Ariola] (1973)

Clic en la imagen para agrandar

Clic en la imagen para agrandar

Clic en la imagen para agrandar

Clic en la imagen para agrandar


Juan Pardo [Clic]

Segundo intento de calar en el mercado inglés a base de aires folk, country y sobre todo pop suave. No es que sea mejor que “Natural” (Erika, 1972), pero sí que aprovecha mejor sus recursos y triunfaría en España gracias a que sus canciones más celebradas aparecerían en formato single y cantadas en nuestro idioma.

La mayor diferencia respecto al citado LP anterior viene marcada por una evolución hacia el folk-pop y una menor carga orquestal -que sigue existiendo. El disco fue muy bien acogido aquí y compensaba una cierta falta de frescura con algunas canciones realmente de calidad y con tirón comercial.

Además del tema que da título a todo el disco, y que es mucho más conocido en su versión en español, hay que citar de modo especial “Something’s bad”, una exquisita muestra de folk-pop con unos coros y una instrumentación destacables que casi se comen el buen hacer del cantante.

“Lonely man” es prácticamente un himno religioso muy bien construido, que demuestra que con escasos elementos y buenas ideas se pueden hacer canciones excelentes. Punteos de blues para una anodina “My brother”.

Lujo y fantasía creativa para una pieza pop rock: “María Magdalena”, que sería traducida al español con notable éxito. Casi prefiero esta lectura en inglés, pero gran canción en todo caso.

“I’ve got a rose”, una de las pistas de audio elegidas, es una pieza folk que me recuerda a los grandes norteamericanos del género. Un canto simple, de escaso recorrido melódico y gran sinceridad desprovista de todo artificio.

Fuente: Julián Molero - laFonoteca.net




Image Hosted by ImageShack.us

miércoles, 17 de septiembre de 2014

Fernando Mendes - Silla De Ruedas - Single EMI (1976)

Clic en la imagen para agrandar

Clic en la imagen para agrandar


Fernando Mendes

Fernando Luiz (Luiz Fernando Ferreira Mendes), compositor y cantante de folk, nació en Consejero Pena, Minas Gerais, el 07/05/1950. Debutó en televisión en el programa de tertulia.

La carrera de Fernando comenzó al mismo tiempo que José Augusto, quien escribió y grabó algunas canciones. Su primer éxito fue grabado en 1973: lo desconocido música, su autoría, reescrito funkeiro por Mister Mu en los años 90.

Además de silla de ruedas, lo desconocido - que vendió más de un millón de copias y fue llevado en estaciones de radio en todo el país - y que no enseña que me olvide de ti, Fernando Mendes también tenía una canción en la novela de la Globo TV Two Lives 1976: La suerte de los que creen en él, organizado por Hugo Bellard.

Pero la "vuelta" de Fernando Mendes a la escena musical estaba reescribiendo Usted no enseñó que me olvide de ti, de Caetano Veloso para la banda sonora de la película y la Lisbela prisionero. Una reescritura producido un redescubrimiento del compositor y cantante minero, tuvo una compilación publicada por Som Livre.

En 1974, tenía una canción censurada por la dictadura militar llamada Mi pequeño amigo, que hace referencia al caso de Charlie, un secuestro muy publicitado en el tiempo y no se ha dilucidado hasta ahora.

Entre los premios que ganó, es un premio de oro de grabación y Villa Lobos disco superventas 1979 con la canción Tú no me enseñas a olvidar que, organizado por Hugo Bellard.

Viajamos en Brasil y en el extranjero y ha participado en varios programas de televisión. Actualmente sigue componiendo y actuando en el escenario brasileño.

Fuente: projetovip.net




Image Hosted by ImageShack.us

Andrés Do Barro - Andrés Do Barro [LP BELTER] (1974)

Clic en la imagen para agrandar

Clic en la imagen para agrandar


Andrés Do Barro

El cantautor gallego Andrés do Barro nació el día 1 de octubre del año 1947 en la localidad de Pontedeume, en la provincia de A Coruña.

Andrés nació en el seno de una familia vinculada con el Ejército, concretamente con la Armada Española. Sin embargo, gran amante de la música y de su tierra, y persona con una gran sensibilidad, él prefirió dedicarse a la música, escogiendo además hacerlo en su propia lengua.

En el año 1970 lanza su LP “Me llamo Andrés Lapique do Barro”, cuyas canciones en gallego presentó él mismo con estas palabras: “Me llamo Andrés Lapique Do Barro y os presento unas cuantas de mis canciones. Hoy son en gallego porque así las he sentido y porque quiero colaborar con todo interés y cariño a dignificar mi idioma materno, caído durante muchos años en el más cruel menosprecio”.

Si algo caracteriza también a Andrés es que fue uno de los pioneros, en lo que se refiere a la comunidad de Galicia, en cantar en su idioma materno durante la época de la dictadura. No sólo esto, sino que consiguió algo que hasta el momento nadie más ha conseguido aún, y que es colocar un tema en lengua gallega en el puesto número 1 de las listas de ventas del país. Lo consiguió con su canción “Corpiño xeitoso”.

En el año 1971, el cantante saca otro álbum, “¡Pum!”, y en el año 1974 el tercero, “Andrés Do Barro”.

Cabe comentar que Andrés participó en una película en la gran pantalla, “La red de mi canción”, junto a la actriz Concha Velasco. En el film, a pesar de que él fue doblado, cantaba varias canciones, que aparecieron sin doblar y en gallego.

Andrés do Barro nos dejó en plena juventud, ya que falleció el día 22 de diciembre del año 1989 en Madrid, víctima de una grave enfermedad.

El Disco:

Tres años pasaron desde ¡Pum! (RCA, 1971) hasta este “Andrés do Barro” (Belter, 1974). Tres años que no pasaron en balde, ni para Andrés ni para su música, ya que perdió la frescura que lo acompañaba. Muchos lo achacan al cambio de compañía discográfica, otros a una vida cada vez más agitada, pero lo cierto es que todo ello repercutió negativamente en su música.

Se acercó a parajes peligrosos, canciones ligeras carentes de la emoción que transmitían temas como “Teño saudade”, caminando por el lado más salvaje de la vida hacia su conversión en una especie de crooner baladista, más cerca de la música comercial de la época que del pop que le trajo el éxito.

En la contraportada del disco aparece un escrito de Alfonso Eduardo, en el que afirma que a la luz de la cabeza de Andrés había que “darla a luz”. Creo que ahí es donde radica el que este disco se quedase a medias, en una producción no muy coherente con las ideas proyectadas en la mente de Andrés.

“Amor, amor”, por ejemplo, está muy mal producida. La voz de Andrés está demasiado tratada, incluso cuesta reconocerla, y los arreglos suenan demasiado limpios. Todo ello hace que se pierda la inmediatez y sencillez características. “Para eso somos dos” es un vals peruano que eleva algo el nivel, pero el tren sigue sin arrancar del todo.

“A rapaciña chora” comienza con aires de psicodelia, encontrándonos ante uno de los pocos momentos cumbre del disco, pero enseguida vemos que es sólo un destello. A“Si vienes a San Simón” parece que le falte fuelle, los sintetizadores hacen de gaitas y la voz de Andrés vuelve a sonar sin fuerza. Es suficiente escuchar “San Antón” de "Me Llamo Andrés Lapique do Barro" (RCA, 1970), para darse cuenta de lo que hablo.

Cierra el disco “Me estoy volviendo loco”, una de las mejores canciones del disco, aunque se vuelve a tener la sensación de que falta algo, ya que la atmósfera que genera es demasiado tenue.

Este trabajo fue la despedida de Andrés de los escenarios, tras apenas cinco años en ellos, poniendo fin a una carrera corta e intensa de la que siempre nos quedarán sus grandes canciones.

Fuente reseña del El Disco - lafonoteca




Image Hosted by ImageShack.us

martes, 16 de septiembre de 2014

Alberto Bourbon - Un Día Más - Pobre Juan - Single RCA (1970)

Clic en la imagen para agrandar

Clic en la imagen para agrandar


Alberto Bourbon

El día de San José de 1944 nace en Madrid José Alberto Bourbon Ruiz. Su padre es un joven diplomático francés casado con una española. Naturalmente, hace sus estudios primarios en el Liceo Francés de la capital de España. En 1959 la familia regresa a Francia, pero ya antes José Alberto había formado parte de algún incipiente conjunto musical.

En Paris, su tío Jean es empresario del espectáculo y representante de numerosos artistas galos. Colocará a Alberto en distintos puestos y participará en la organización de giras de varios cantantes. Ahí le picará el insecto de la música y su veneno lo llevará ya siempre en la sangre. Aquel empleo le durará hasta 1962, año en el que decide dar un giro a su vida y se alista voluntario en el ejército francés, siendo destinado a las fuerzas de ocupación en Alemania.

En 1965 termina sus obligaciones militares y marcha a Londres para hacerse cantante. A principios de 1967 se establecerá, ya para siempre, en Madrid. Plantará su cuartel general en el Whisky Jazz, templo del género. A él le gusta el jazz; sin embargo, es la época de la eclosión de los cantautores y Alberto Bourbon se sube muchos días al escenario para desgranar sus canciones con el único acompañamiento de una guitarra.

Su voz grave y la calidad sus composiciones no van a pasar desapercibidas. Pronto echará a rodar su primer sencillo: “El Metro” (CEM, 1968). Una auténtica crónica cargada de imágenes de un viaje en el tubo madrileño. La canción y el nombre de su cantautor se escuchan en las emisoras y los habituales músicos del garito de jazz acunarán el debut del neófito. Aún más se escuchará “La Niña de mi Barrio / Un Domingo en mis Calles” (CEM, 1968) que entrará en las listas de ventas. Su voz se compara a la de otro cantautor principiante, Patxi Andión, con el que guarda bastantes similitudes.

El reconocimiento que rápidamente han obtenido sus dos discos, hace que la RCA se fije en él y lo incorpore a su compañía. Con esta marca grabará tres singles en 1970, que venderán menos que los anteriores. El más destacable de ellos es con mucho: “En un Mechón de la Noche / Robaré Besos y Flores” (RCA, 1970), dos de sus mejores canciones de siempre.

Será en RCA donde firmará sus discos con su verdadero nombre de Alberto Bourbon, pues sus dos sencillos editados en CEM aparecerán firmados como Burbón y Alberto Burbon respectivamente.

En 1971 sufrirá un gravísimo accidente de tráfico que casi le cuesta la vida y que le mantuvo tres años alejado de estudios y escenarios. Es una época en que se dedica sobre todo a componer. En este aspecto, las cosas le ruedan de maravilla. Durante la primera mitad de los 70, escribirá canciones para Massiel, Mocedades, Isabel Patton y Rocío Jurado, por citar solo nombres españoles.

Pero el Alberto Bourbon compositor no quiere que desaparezca el cantante y regresará con un LP: “Años de Amor” (RCA, 1974). En este disco brillará “Antes de Ti no Hubo Antes” (RCA, 1974), su grabación más conocida y una de las mejores baladas de la década de los 70. Esta canción devolverá al cantante a las listas de ventas y a las pantallas de la televisión.

El efecto “Antes de ti no hubo antes” guardó la paradoja de un aumento del prestigio de Alberto Bourbon como autor, pero no como cantante. Al año siguiente grabaría un nuevo long play: “Estoy Aquí” (RCA, 1975) con el que pondrá fin a su carrera de cantante. A partir de ahí seguiría componiendo y se convertiría durante años en el productor de Rocío Jurado, que bajo su dirección lograría buena parte de sus mayores triunfos discográficos.

A partir de los 90, la figura de Alberto Bourbon se diluye en el humo de los cigarrillos y pasea su figura bohemia por la noche madrileña, casi siempre ligado a sus queridos ambientes jazzísticos. Fallecerá en Madrid en 2001, víctima de un ataque cardíaco. Solo el empeño de Rama Lama, que publicará su “Todas sus Grabaciones” (Rama Lama, 2003), mantendrá el recuerdo de uno de los más destacados cantautores españoles.

Sus canciones, imbuidas de Brel, son ante todo poesía. Unas letras costumbristas le convierten en el cronista de los 70, alejado de la mordacidad y los lugares comunes con los oídos siempre atentos y los ojos cargados de benevolencia hacia la realidad que le rodea.

El Disco:

Otra vez la sombra de Jacques Brel en sus tiempos rápidos planea e inunda “Un día más” . Otra letra memorable de Bourbon, esta vez con una música dinámica. La vida es dura y siempre lo fue sería el corolario de esta canción: “Un día más que hay que quemar sin llorar, un día más que olvidar·.

Retórica, enfática, esdrújula y tremendamente francesa es la historia del organillero fallecido “Pobre Juan”, un tema con un brutal cambio de ritmo en el que Alberto se desgarra tal vez en exceso.

Fuente: lafonoteca.net




Image Hosted by ImageShack.us

Raphael - Cuando Tu No Estás [LP Hispavox] (1966)

http://i.imgur.com/IC8skQu.jpg
Clic en la imagen para agrandar

http://i.imgur.com/GAoZwyT.jpg
Clic en la imagen para agrandar


Raphael [Clic]


En 1962, Raphael se alzo con el triunfo en el Festival De Benidorm; pero este galardón lo logro después de su aprendizaje en centros nocturnos, donde adquirió la suficiente experiencia para una carrera que ya llega a mas de cuarenta años.

Según declaraciones del cantante, que nació en Linares, una pequeña ciudad del sur de España el 5 de mayo de 1943, estará en el negocio del canto por mucho tiempo más y muestra de eso es que cuando realiza sus presentaciones en Madrid o en otra ciudad del mundo, el público lo recibe como en sus mejores momentos, aunque ya no son sus mejores momentos, porque definitivamente ya no es el mismo que una vez vimos cantando “Yo Soy Aquel”, pues aunque su experiencia es mucho mayor, su voz no es igual y suena a cansada.

La voz de Raphael siempre fue el centro de su personalidad, pues va de tenor a barítono dentro de la canción popular y moderna y fue bien recibido en su país porque en una época que la mayoría de los cantantes eran imitaciones de los ingleses o norteamericanos, el creo un personaje basado en su raíz flamenca y con tonalidades de los cantantes franceses, donde la expresión del cuerpo forma parte de la música.

Esa independencia de lo extranjero hizo que fuese respetado desde su primera aparición. Definitivamente Raphael es Raphael y no hay otro igual.

A la edad de tres años se integro en el coro de niños de cuatro años de su escuela y a los nueve recibió el reconocimiento de la mejor voz de un niño en Europa en el Festival de Salzburgo, Austria.

Como profesional comenzó con la casa Philips y sus primeros trabajos fueron “Te Voy A Contar Mi Vida” y “A Pesar De Todo”.

Después del triunfo en el Festival de Benidorm en 1962 con su tema “Llevan” su carrera fue ascendente; pero ha tenido dos etapas, una del 1962 hasta 1966 y la otra de 1966 hasta 1968.

Otros trabajos de sus inicios y con la casa Hispavox, fueron “Inmensidad” y “Tu Conciencia”.

Su primera etapa, donde la unión musical con el compositor Manuel Alejandro, le dio ventas increíbles con temas que lo fueron consagrando con esas letras amorosas de sus inicios.

Entonces aparece “El Tamborilero”, un tema grabado en época de navidad, lo que definitivamente le da un giro de 180 grados a su carrera y su aparición en el Festival De Eurovisión en 1966 con “Yo Soy Aquel”, logrando un sexto lugar para España, algo realmente buscado desde los inicios; pero que parecía imposible y al siguiente año repite en el festival con “Hablemos Del Amor” y otra vez ocupa el sexto puesto, en esta oportunidad la triunfadora fue Sandie Shaw con “Marionetas en la cuerda”.
Después de su aparición del 1967 se convierte en el rey indiscutido de España y finalmente con “Digan Lo Que Digan”, comienza una carrera totalmente ascendente e imparable y pasa definitivamente a ser conocido en el resto de los países.

De esta etapa son “Cuando Tu No Estas”, “Mi Gran Noche”, “Tema De Amor”, “Desde Aquel Día” y “Estuve Enamorado” están entre las de mayor éxito.
Para esta fecha comienza a realizar películas, cruza el Atlántico y como nadie antes sabe explotar los club de fans.

Entre sus películas están “Cuando Tu No Estas” en 1966, “Al Ponerse El Sol”, en 1967, “Digan Lo Que Digan” durante 1968, “El Golfo” y “El Ángel” en 1969, durante 1970 “Sin Un Adiós” y “Volveré A Nacer” en 1972.

Después de tocar el cielo tantas veces, en 1969, comienza la comercialización de su trayectoria y aquí aparecen discos con canciones del acervo latinoamericano, tal vez tratando de extender su fama por ese continente, cosa que no necesitaba, pues esto ya lo había logrado con temas espectaculares.

De aquí en adelante el intérprete pierde su genio, su figura y su estrella dan paso a que muchos cantantes se le acerquen competitivamente; pero hay que reconocer que con el paso del tiempo no solo él ha perdido calidad.

Definitivamente los ochenta no son los sesenta, aunque en los ochenta con trabajos como “Que Tal Te Va Sin Mi”, “Como Yo Te Amo”, “Estar Enamorado” y “En Carne Viva”, tuvo un gran resurgir con disco de uranio recibido en 1981.
Otro momento importante de su carrera fue en 1970 al aparecer en show de Ed Sullivan y cantar en español, ingles e italiano.

En 1975 comienza con gran éxito su propio programa y lo hace presentando artistas de talla internacional.

Miguel Rafael Martos Sánchez, ese hombre que conocemos como Raphael, logro realizar una carrera que incluye el cine, nos ha dejado muestras de calidad vocal pocas veces escuchadas y su presencia en el escenario es indiscutiblemente mucho mas que excelente.

Durante 1984, su disco con trabajos de Jose Luis Perales le proporcionaron cierto impulso a una carera que estaba estancada, mas tarde incluye temas de Roberto Livi y comenzando los noventa logra un hit internacional con “Escandalo” de Willy Chirino reviviendo una vez mas su popularidad dormida.

En el 2000 se presenta en el teatro con la obra “Dr. Jekyll Y Mr. Hyde”, lo que según él era su materia pendiente y logra superarla al estar siete meses en cartelera en Madrid, mas algunas semanas mas en Barcelona y Valencia.

Durante el 2003 ingresa al quirófano para un trasplante de hígado, problema que venía presentando desde 1985.
Durante el 2008 publica “Raphael, 50 Años Despues”, donde aparece interpretando dúos con artistas como Miguel Bose, Alaska, Ana Belén, Paul Anka y otros mas, trabajo que finaliza en el 2009 con otros dúos, sumando un total de veinte.
Sus 350 discos de oro, 50 de platino y el disco de uranio por las ventas en 1982 del disco “Raphael: Ayer, Hoy Y Siempre”, un trabajo doble con sus mayores éxitos del que se vendieron 50 millones de copias, creándose esta categoría en la que está en idioma español solamente él.

Sus sesenta discos de larga duración en español y otros en italiano, francés, alemán, ingles y japonés avalan una carrera increíblemente extensa y fructífera.

El Disco:

En los últimos días del 65 se edita el LP llamado a ser seguramente el más vendido de 1966. Un soberbio álbum que contiene varias de los mejores y más valoradas canciones que el cantante realizó en toda su vida.

Dos números uno posteriores para dos de las mejores baladas de nuestra música: “Cuando tú no estás”, que daría título a la primera película como protagonista de Raphael y “Yo soy aquel”, que cuatro meses después cantaría en Eurovisión. Suponiendo su espaldarazo internacional. Dos títulos firmados por Manuel Alejandro que el propio cantante denomina “joyas de la corona” y ha mantenido en repertorio hasta nuestros días.

Pero no acaba la cosa ahí. Lección de dramatismo raphaelista en “No vuelvas”; y una tierna pieza cargada de dicción suave justo para el oído de sus muchas fans: “Desde aquel día”. Ambos temas vienen también firmados por un Alejandro en evidente estado de gracia santificante. Menos conocida, también del mismo autor, es “Mi regalo”. Destinada a la citada película “Cuando Tú No Estás” (1966) de Mario Camus. En directo, el cantante sacaba una muñequita del bolsillo a quien cantaba la canción y luego la regalaba a alguna chica del pública, logrando un revuelo de grandes proporciones en la sala.






lunes, 15 de septiembre de 2014

Roberto Carlos Canta En Español - 120... 150... 200 Km/h [Single CBS] (1970)

Clic en la imagen para agrandar

http://i.imgur.com/YpD1ELR.jpg
Clic en la imagen para agrandar


Roberto Carlos [CLic]

Roberto Carlos canta en español su gran éxito internacional "120... 150... 200 Km Por Hora" Single CBS 1970.

En los primeros años 70, Roberto Carlos se convirtió en el artista brasileño que superó el récord de discos vendidos, cargo que mantendría durante muchos años consecutivos. Sus discos se superaban la venta de más de 1.000.000 de copias.


Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...